Waka Flocka Flame – Hard in tha Paint (Shlomo’s sit down remix) -Remixes vol.2

Scientist & Prince Jammy – The Princess takes her revenge -Scientist & Jammy Strikes Back!

Geiom – Farski -Island Noise

Nguzunguzu – Wake Sleep -Timesup EP

Jamie XX – Beat For -(single)

The Weekend – The Morning -House of Balloons

Radiohead – Bloom (Harmonic 313 remix) -King of Limbs Remixes

… et pour le rappel, mon premier Besoin de vacances mix:

Bon, on arrive au parc Jean-Drapeau avec notre beau petit plan bien réfléchi, et dès la première collègue qu’on croise dans le métro, tout ça part en vrille. Rien ne sert de se battre contre les éléments (sociaux), faut suivre le courant. On a alors jeté ledit plan et butiné de scène en scène pour enfin être frappé par deux vifs coups de coeur, nos meilleurs concerts de cette journée du samedi de l’édition 2011 d’Osheaga: celui du rappeur de Chicago Lupe Fiasco sur la grande scène de la Montagne, et l’autre, de l’auteure-compositrice-interprète londonienne Anna Calvi. Entre ça, des concerts, des conversations et quelques bonnes bières.

Twin Shadow + Mountain Goats + Egyptrixx

Première escale: sous le stabile de Calder pour revoir Egyptrixx, qui nous avait bien bourré les oreilles à son premier passage à l’Igloofest.

D’abord, on est bien content du réaménagement du site. Vive le Piknic à son endroit naturel sous le stabile, même s’il a parfois souffert de sa position, disons, excentrée. Pour Egyptrix sous le soleil, c’était parfait, et les basses boueuses, les rythmiques langoureuses et les synthés anesthésiants ajoutaient de la moiteur à cet après-midi vacancier.

On a fait quelques aller-retours entre Mountain Goats, scène Verte, et Twin Shadow, scène des Arbres, où était posté le crew du Piknic l’an dernier. Beaucoup mieux aménagée cette année, la scène des Arbres servait aussi d’oasis d’ombre et de pelouse pour les festivaliers qui s’évachaient confortablement entre deux concerts. Bref, si on a fait la girouette entre ces deux scènes voisines, c’est bien parce qu’aucun des deux groupes ne nous a vraiment conquis.

Mountain Goats, vétérans de la scène indie américaine, ont déballé leur folk-rock avec un entrain certain. Mais voilà, nous n’étions pas en phase avec eux. Pas assez de punch en cet après-midi guilleret, des chansons qui ne collent pas aux tympans. Mauvais contexte, se dira-t-on en voulant leur accorder le bénéfice du doute. Retournons plutôt chez Twin Shadow, dont on avait beaucoup apprécié le premier album, Forget, lancé l’automne dernier. Ça y était un peu plus: un rock indé nappé de synthétiseurs, une présence scénique sentie du leader George Lewis Jr. Mais alors? Répétitif. Un groove diffus, loin d’être désagréable, mais qu’on retrouve presque intact d’une chanson à l’autre. Ça manque de variété, ce que la nature même du festival abhorre. On change de scène? (J’espère avoir répondu à ta question, Julien!)

Suuns

Un de mes coups de coeur locaux de la dernière année, Suuns. Suis un fan fini de Led Zep, et j’en reconnais dans le blues bionique de ces Montréalais. Planté sous les arbres de la scène du même nom, gloup-gloup on avale le travail de ces musiciens sans grande technique, reconnaissons-le, mais déjà pourvus d’un son qui les distingue. Or sur scène, Suuns tamise les teintes de blues en soulignant plutôt ses traits électro, industriels et IDM. Lugubre, limite minimaliste, un peu de vieux NIN, de Suicide, mais avec un étrange sens mélodique, discret sous les bruitages et les lignes de basses synthétiques primaires. Pas encore arrivé à maturité, mais néanmoins agréable.

Karwka

Parce que Sia, on s’en balance pas mal, et que DâM-Funk nous a fait perdre de précieuses et silencieuses minutes en essayant de brancher comme du monde ses ordinateurs et séquenceurs, ben voilà qu’on revoit Karkwa en cuisant devant les scènes principales (au fait, je me demande bien de quoi est fait le revêtement du sol? Soulagé de ne plus voir la poussière lever, mais je regarde cette couleur goudronnée et j’ai l’impression qu’on a acheté une fin de stock d’asphalte pour aplanir le parc Jean-Drapeau. M’enfin.)

Solide comme toujours, Karkwa. On les a vu tellement souvent qu’on ne sait plus quoi rajouter à propos du groupe. Disons seulement qu’ils avaient l’air heureux, que la foule était constituée autant de fans que de curieux (on remarque énormément de touristes ontariens et américains à Osheaga), et que le type qui aspergeait la foule avec un canon à eau avait l’air de bien se marrer.

Lupe Fiasco + Death From Above 1979

D’accord avec vous: il est bien mauvais, ce dernier disque (Lasers) de Lupe Fiasco. Mais le concert? Oulà. De la dynamite. Un band rock (guitare, batterie, synthés/basse électronique), une attitude punk, tout de même des succès, avec les meilleurs extraits tirés de The Cool et Food & Liquor, classiques modernes d’un hip hop américain aux idées larges.

Une petite heure au gros soleil sur la scène de la Montagne avec Fiasco qui nous a requinqués solide. Section rythmique d’acier, un groove entre rap et rock à faire décoller les tatouages du Lil’Wayne-à-guitare de Rebirth, et, à notre émerveillement, de vrais de vrais fans qui chantaient/rappaient avec lui les Kick, Push, Superstar ou encore The Show Goes On, entre autres de ses mieux connues. Accompagnant cette prestation galvanisée, un discours socio-politique cinglant de la part de cet artiste qui n’a pas eu la langue dans sa poche à propos de GWB et qui, encore aujourd’hui, ne se gêne pas pour taper sur le clou d’Obama. Ses railleries à propos des États-Unis étaient particulièrement musclées, alors qu’il dénonçait le racisme et l’enflure de la population carcérale.

Pour nous faire attendre DFA79, c’était impeccable. Le duo torontois a ensuite pris la scène de la Rivière alors que, devant eux, un pain de fans impatients compressaient les clôtures de sécurité. Grainger et Keeler ont fait beaucoup de bruit, et l’ont fait à vitesse maximale, piochant d’emblée dans Turn it Out comme on donne un coup de point sur le verre de la sonnette d’alarme quand y’a début d’incendie. Ces premières 20 minutes  étaient chouettes, mais là, excusez-moi, faut que je quitte, j’ai un rendez-vous galant sous les arbres…

Anna Calvi

Ne le dites pas à ma blonde, mais en me couchant hier soir, je voyais encore le bleu des yeux d’Anna Calvi. C’est dire, d’abord, combien elle a fait belle première impression, et ensuite combien trop peu de gens ont pris le temps d’aller voir son travail, j’ai pu m’approcher si près de la scène que j’ai cru un instant qu’elle ne jouait que pour moi seul…

Plus sérieusement, on a  eu quarante riches minutes musicales, et tous présents devant la scène des Arbres en auraient pris soixante de plus. Le buzz, ce n’est pas de la frime. Elle chante aussi bien sur disque que sur scène – une voix que tous et leurs mères ont comparé à celle de Siouxie Sioux, j’ajoute cette fois des références à Dusty Springfield, pour le tragique qu’elle expulse dans ses chansons, et Shirley Bassey, pour certaines chansons plus langoureuses. En plus, sur scène, avec sa blouse rouge et ses pantalons haut-de-taille noirs, les cheveux nattés et le mascara charbonneux, elle dégage une force et une sensualité qui nous fait fondre plus que le soleil qui darde le parc Jean-Drapeau en ce week-end parfait.

À la guitare, c’est encore plus éblouissant que sur disque. À ses côtés, un batteur et une percussionniste/harmoniumiciste (ça se dit, ça, pour quelqu’un qui joue de l’harmonium?), et elle, impériale avec sa Telecaster qu’elle dompte ou fait rugir selon ce que commande les compositions. Entre lesquelles s’est notamment glissée la vieille Surrender d’Elvis Presley, et c’était suave à souhaits. Au jeu des premières rencontres, Calvi s’en sera infiniment mieux tirée que Janelle Monae.

Et je n’en dirai pas davantage juste pour vous donner appétit. Elle reviendra, c’est sûr.

Ratatat + Girl Unit + Elvis Costello (over & out)

Petites observations sur ma fin de soirée.

1) Après DFA’79, tout le monde s’est poussé en direction de Ratatat. De deux choses, l’une: Bright Eyes sur la grosse scène de la Montagne a drainé moins de gens. Mauvais alignements des étoiles pop, ici. Ensuite, je savais qu’on aimait Ratatat, mais à ce point qu’il n’y avait strictement personne du côté de Robot Koch? J’imagine que tout le monde a pris sa pause-poutine en même temps…

2) Elvis Costello & The Imposters en tête d’affiche du samedi fut, à l’évidence de ce public clairsemé (restons polis), une bien faible idée. Mais ne jetez pas trop vite la pierre à Evenko. Elvis ne devait même pas être le plan B de l’équipe de programmation. Ni même le C. Plus le W – et ça, c’est inquiétant, nous y reviendrons à l’heure des bilans demain.

Des noms ont circulé depuis des mois. Rumeurs, plusieurs sans doutes fondées, sur les têtes d’affiches de l’édition 2011 d’Osheaga. Assurément, Evenko a tout fait pour trouver mieux – pas sur le stricte point de vue musical, on s’entend, Costello est tout de même un vétéran de valeur (et son concert, bien rock, bardé de classique, était franchement bon), mais dont la valeur est plus grande pour les mélomanes d’une ou deux générations derrière la mienne. Il n’était pas à sa place à Osheaga comme auraient pu l’être (restons chez les vétérans) The Jesus & Mary Chain ou My Bloody Valentine, pour évoquer les souhaits d’un ami mélomane avec qui j’ai partagé une bière hier. En réalité, l’affiche de ce samedi soir était la meilleure qu’Evenko pouvait alors concocter, that’s it.

3) Ça manque d’eau sur le site. Je veux dire: d’endroits où aller acheter des bouteilles d’eau. Faut chercher et ça, à 35 degrés à l’ombre, c’est pas commode. Alors, pour vous éviter de tourner en rond, sachez que du côté du Piknic, on les vends 4,oo$ et que c’est le moins cher que j’ai trouvé à Osheaga. Ensuite pour les remplir, en quittant le stabile de Calder, prenez le pavé direction, disons, le métro, et dix pas, sur votre droite, y’a une rangée d’abrevoirs.

N’oubliez pas de vous hydrater, les amis. La crème solaire, c’est pas con non plus comme idée. Allez, on se retrouve là-bas.

Jazmin Million

Pris par le boulot, suis arrivé tard sur le site, à la hâte, ne voulant pas manquer l’une des performances les plus attendues de cette édition 2011 du festival – que dis-je, l’une des plus attendues depuis l’hiver 2010! -, celle de la jeune surdouée de la pop afro-américaine, Janelle Monae. Dès ma sortie du métro de l’île, je savais que je ne louperais rien, que j’étais au parc Jean-Drapeau, mais que je n’étais surtout pas à Osheaga…

Car, en croisant des collègues peu avant le concert de Monae, j’apprenais qu’on avait vendu en pré-vente plus de billets pour cette première soirée du vendredi osheagesque que pour les journées du samedi et du dimanche mises ensemble. Les premiers chiffres officiels indiquent aussi que près de 80 000 entrées avaient été vendues (à date d’hier soir) pour la durée de l’événement – faites le calcul, on peut estimer à plus ou moins 45 000 spectateurs s’étant déplacés pour ce seul vendredi soir. Or, à vue d’oeil, 44 500 étaient là pour Eminem, et que pour lui. Timber Timber? Broken Social Scene? Ces pauvres Bran Van 3000 qui se démenaient un peu tout croche (pardonnez du pléonasme…) avant Janelle? Rien à branler. Ce n’était pas la foule habituelle d’Osheaga, c’était un public de fans de Shady, totalement extatique de pouvoir enfin voir celui qui n’était pas venu chez nous depuis 11 ans (rappel: la dernière fois, c’était au Centre Bell, en première partie de Limp Bizkit…).

En clair, la pauvre Janelle n’a pas reçu l’accueil montréalais qui lui était dû. Et nous, fans, qui la voyions pour la première fois, sommes restés sur notre faim. Frustrés de mesurer combien cette artiste sait (déjà) en mettre plein la vue, alors qu’il y eut trop peu à voir – avec le jour qui tombait derrière la scène, on distinguait mal l’action, les écrans géants la rendaient mal – et à entendre – sono pas fameuse pour la première moitié de son spectacle. Zut et re-zut.

Ah!, ce qu’on donnerait pour la voir au Métropolis! Imaginez la scène: section de cordes, petite section de cuivres (trompette et trombone), batteur et percussionniste, choristes vêtues vraisemblablement par le styliste de Sun Ra, le reste de cet orchestre solide à l’os, et Janelle, impériale, qui invoque James Brown de la tête aux pieds qu’elle a d’agiles. Cette manière qu’elle a de bouger sur scène, toujours sur le rythme, frétillante et entraînante, c’était particulièrement patent pendant son succès Tightrope, un hommage au Godfather of Soul autant dans les arrangements funk bruts que dans cette façon autoritaire dont elle commande son orchestre.

Débutant avec les arrangements orchestraux de Suite II Overture – la première chanson de son excellent premier album-concept, The Archandroid (Suites II & III) -, Monae a malaxé les genres, pop, rock, soul, r&b, hip hop, funk, pressant son répertoire en une trop petite heure, malgré l’accueil froid de la foule et les problèmes de son (problèmes de retour, notamment, elle avait un peu de mal à s’entendre et garder la note juste). En vrai pro, elle a tout de même offert une bonne performance, mais ne s’adressait pas à la foule, qui préférait discuter et faire des provisions de bières en attendant Slim Shady…

Entre ses propres chansons, elle reprend de brillante manière Stevie Wonder (My Cherie Amour) et Michael Jackson (fameuse version de I Want You Back, le timbre de voix de Monae évoquant même celui du jeune Jackson!). Quelques effets de mise en scène viennent colorer la performance – on lui apporte des capes, pendant l’épique Mushroom & Roses, elle chante en peignant une toile avec un gros pinceau -, mais le clou est arrivé pendant l’enchaînement de ses deux plus grosses chansons, Cold War et cette Tightrope que tous connaissent sans savoir qui chante à cause de cette pub de Chevrolet Cruize qui passe en boucle à la télé.

C’était l’espoir d’un concert magistral s’il avait été présenté dans de meilleures conditions, devant de vrais fans, et sans contraintes d’horaires. Ç’aurait même sans doute été meilleur si le concert avait été présenté aujourd’hui ou demain, devant un autre type de public. Faut la réinviter. D’urgence.

Mais pour les 44 500 autres spectateurs, le plat de résistance allait être bientôt servi. En faisant abstraction des irritants problèmes de microphone, ils n’ont pas été déçus: Eminem nous conviait à être témoins de son « rétablissement » – « Recovery », comme le titre de l’album récent qui l’a ramené au sommet des palmarès. Un retour à petits pas: le rappeur de Détroit n’offrait que trois spectacles, sans doute le prélude à une vraie tournée mondiale (on gage sur son retour au Centre Bell bientôt?). Sans doute? La performance qu’il a offert était béton. Vingt-quatre chansons en 90 minutes, plusieurs tirées de Recovery mais les classiques ne manquaient pas, et, surtout, la tangible impression que le type avait l’appétit de la scène. Hargneux, énergique, il a haché ses rimes avec le style mitraillette qui a fait sa renommée.

Reste que les soucis de microphone ont en partie gâché notre plaisir.  Ça a duré pendant presque tout le concert: parfois, lorsqu’il chantait/rappait, aucun son ne se rendait jusqu’à nous; pendant l’accrocheuse et récente No Love, un duo avec Lil’Wayne (dont il a salué le retour à la liberté) sur un sampling de What is Love de Haddaway, c’est tout comme si Em était muet! Et on avait pourtant fait un test de son de deux heures! Les premières minutes, ça va. À la moitié du spectacle, ça va faire.

Les Montréalais ont été bon public et remplissaient le vide en récitant les rimes sur les titres les plus connus – Square Dance du The Eminem Show offerte en troisième, Kill You deux titres plus tard, Cleanin’ Out my Closet et l’énorme The Way i Am peu après…  Son collègue de Détroit Royce da 5’9 » est apparu pour deux chansons (on n’a rien entendu de sa première, Fast Lane), puis Eminem a enchaîné d’autres classiques sur le mode ballade, Stan, Sing for the Moment, Toy Soldier. La finale a foudroyé la foule : medley des incontournables My Name Is, The Real Slim Shady, Without Me, puis Not Afraid et, au rappel, Lose Yourself.

La suite de ce survol, demain.

Photo: Jazmin Million – sa galerie Flickr

Pouvait-il en être autrement, avec tant de hits, après une si longue attente, avec ces moyens gigantesques déployés pour assurer la réussite de cette tournée record? Le 360° Tour de U2 s’amenait enfin dans toute sa démesure à l’Hippodrome Blue Bonnets, avec une couche de gras additionnelle. Il n’y avait pas de stade, que de la poussière et du gravier et, hop!, en près de deux mois, stade il y eut, lequel peut accueillir 80 000 fans. La démesure d’un stade éphémère – j’aime l’image du collègue Cassivi, « Une ville dans une ville » -, pour le plus grand groupe rock au monde (observation quantitative, pas qualitative), pour les meilleurs fans au monde (ça, c’est qualitatif).

Tout ce cirque s’est pourtant terminé comme il a commencé, c’est à dire bien mal. Et on ne parle pas du trajet de deux heures qu’il nous a fallu endurer pour arriver à destination, c’était même assez rigolo pour qui n’est pas trop claustro/agoraphobe.  Plutôt des torrents d’averse… et de Interpol. Soporifique, ce dernier. Pas un choix judicieux, si on les embauchait pour réchauffer la foule et lancer le bal. Quant à la météo, saluons néanmoins son timing: pendant With or Without You (2e rappel), splouche!, une grosse goutte solitaire échouait sur mon avant-bras. Ah tiens!, il allait donc peut-être pleuvoir… Or, c’est sur la toute dernière note de Moment of Surrender, au moment ou la bande à Bono retournait à sa loge, que le déluge fut. Y’a pas de mots polis pour le dire: on en a mangé une ciboire.

Entre les deux, un show solide dont on s’extrait galvanisé (et humide), un show cependant déséquilibré au plan du choix des chansons. U2 a donné son meilleur sur les deux premiers tiers; sur le dernier, l’énergie s’est un peu estompée à cause de ces chansons moins mémorables, les City of Blinding Lights (toutefois accompagnée d’une des plus belles séquences visuelles de la soirée, ci-contre), Vertigo, I’ll Go Crazy if I Don’t Go Crazy Tonight puis, après le sursaut de Sunday Bloody Sunday, une finale anti-climax avec Scarlet et Walk On (j’ajoute que je me serais aussi passé de la Bat-toune Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me au 2e rappel). En contre-partie, j’étais particulièrement ravi de réentendre live la très krautrock Zooropa.

Mais la montée du début, ouh là là… Bon flash de démarrer avec Space Oddity, tout indiqué pour ce décor surréaliste des estrades métalliques et de la fameuse pince – « The Claw » – à quatre pattes qui sert à la fois de scène et de décor. D’où qu’on se trouvait (j’étais à 20 pieds de la passerelle au parterre, puis tout au fond lors des rappels), on ne manquait absolument rien. L’effet de proximité était réussi en dépit de l’immensité des lieux puisque, toute imposante qu’est la pince, elle donne l’illusion d’être petite ainsi encerclée par 80 000 fans. L’écran LED en accordéon est aussi une sacrée réussite technologique qui permet à tous les fans de se sentir un peu plus près des musiciens.

Bref, le groupe a d’emblée foncé dans le tas de ses succès en enfilant quatre chansons d’Achtung Baby: Even Better Than The Real Ting, The Fly, Mysterious Ways et Until the End of the World, une de mes préférées du répertoire youtooesque. La sono s’est ajustée pendant Mysterious Ways, et est demeurée irréprochable jusqu’à la fin – c’est l’autre avantage du stade éphémère sur les stades de foot monstres d’Europe ou des USA: aucune parois sur laquelle l’onde aurait le malheur de réverbérer. Un son clair et net.

Comme à chaque tournée, les arrangements ont été revus, généralement en harmonie avec la facture du récent album (ici, No Line on the Horizon, dont trois chansons ont été interprétées). S’il est un euphémisme de souligner le côté ambiant du jeu de The Edge, sur ces chansons d’Achtung Baby, c’était limite minimaliste – et pas désagréable du tout. En revanche, sa ligne mélodique, une guitare électrique bien assise et répétitive (autre euphémisme), pour One (1er rappel) nétait pas très réussie.

Bono était visiblement heureux d’être ravi d’être devant ce public de « Québécois! Quelle belle gang! », s’est-il plu à répéter durant cette soirée de près de 2h15 mins. Il a parlé français pendant presque toute la durée du spectacle, tant et si bien qu’on sous-titrait (très mal, au demeurant, c’en était grotesque) à l’écran ses courts laïus. Certains très drôles, comme lorsqu’il a tourné en gentille dérision la tournée canadienne du couple princier. Après avoir présenté ses collègues (The Edge était affublé du titre de « vrai Prince de Galles »), il s’est qualifié de « chien royal – a corgi »! Plus important encore, Bono avait la voix hier, ne faussant presque pas – seulement un peu pendant le moment de grâce acoustique Stay (Faraway, So Close!) et Miss Sarajevo. Tout le contraire du concert de la tournée Vertigo que j’ai vu, alors que Bono chantait comme un minet de ruelle…

Le moment-frisson de la soirée est justement survenu après Stay (Faraway, So Close!). Bono a dédié la prochaine chanson à la représentante démocrate Gabrielle Gifford et, oui, sur le coup, en regardant l’écran LED se transformer en planète Terre, on entrevoyait le moment chiant preacher racoleur de la soirée. Jusqu’à ce qu’on voit apparaître à l’écran son mari d’astronaute Mark Kelly, posté en orbite, saluer Montréal et annoncer Beautiful Day – la dernière grande chanson de U2, à mon humble avis. Pendant le bridge de la dite chanson, on a synchronisé un message de Kelly qui salue son amoureuse en citant Space Oddity:  » And I think my spaceship knows which way to go, Tell my wife I love her very much, she knows… » Ouf! Bono a terminé la chanson en chantonnant Bowie. Fameux.

Si vous y allez (ou y retournez) ce soir, prenez d’abord votre mal en patience. Les trois stations de métro entre Snowdon et Namur vont aiguiser votre tolérance envers votre prochain. Apportez une bouteille d’eau, on ne vous la confisquera pas à l’entrée, mais on vous enlèvera son bouchon. Si vous êtes au parterre, choisir de louper la toute dernière chanson du dernier rappel raccourcira votre retour à la maison de 2h. Bon show!

Setlist:

1. Space Oddity
   (David Bowie song) (Intro music)
2. Even Better Than The Real Thing
   (Remix version)
3. The Fly
4. Mysterious Ways
   (with « Tryin’ to Throw Your … more)
5. Until The End Of The World
   (with « Anthem » and « Where Have … more)
6. I Will Follow
7. Get On Your Boots
8. I Still Haven’t Found What I’m Looking For
   (with « The Promised Land » snippet)
9. Stay (Faraway, So Close!)
10. Beautiful Day
    (with « Space Oddity » snippet)
11. Elevation
12. Pride (In The Name Of Love)
13. Miss Sarajevo
14. Zooropa
15. City Of Blinding Lights
    (with « My Kind Of Town » snippet)
16. Vertigo
17. I’ll Go Crazy If I Don’t Go Crazy Tonight
    (Remix version, with « Miss You »… more)
18. Sunday Bloody Sunday
19. Scarlet
20. Walk On
    (with « You’ll Never Walk Alone » snippet)
21. Encore:
22. One
23. Where The Streets Have No Name
    (with « Will You Still Love Me Tomorrow? » snippet)
24. Encore 2:
25. Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me
26. With Or Without You
27. Moment of Surrender

Bel exploit pour cette tentative de dancehall/électro-pop champ gauche made in New York:  elle jouit ces jours-ci de la faveur des télés jamaïcaines, qui font tourner le clip et mettent de la pression sur les radios de l’île pour qu’elles emboitent le pas.

Pour Vybz Kartel, abonné aux controverses et l’un des deux protagonistes de la « guerre musico-sociale » opposant les clans Gully et Gaza (histoire troublante et fascinante sur laquelle je me pencherai bientôt), Yuh Love est d’un bon goût qu’on ne lui reconnaissait pratiquement plus depuis la salace Ramping Shop (feat. Spice).  Pour Dre.Skull, ça commence à ressembler à une consécration dans la patrie du reggae. Le producteur, DJ et remixeur ouvre son horizon musical à toutes tendances « urban », sur la même longueur d’ondes que l’ami Poirier, mais avec une touche bien différente. On vous recommande toujours le podcast qu’il a réalisé pour XLR8R le mois dernier, agréable écoute.

Yuh Love, Vybz Kartel, sur iTunes

En prévision de son tout premier concert montréalais jeudi soir prochain, à l’affiche du généreux festival Pop Montréal, Karin Dreijer Andersson (Fever Ray, The Knife) m’a accordé une entrevue qui sera publiée demain dans La Presse/Cyberpresse. L’auteure, compositrice et interprète suédoise confirme que son frère Olof Dreijer et elle – le duo The Knife – éditeront sur disque l’année prochaine la musique et le livret (en anglais) de l’opéra qu’ils ont composé (avec la collaboration de Mt.Sims et Planningtorock), et dont la première mondiale eut lieu au Royal Danish Theater de Copenhague, le 2 septembre dernier.

Élaboré en collaboration avec la compagnie théâtrale Hotel Pro Forma, l’opéra, intitulé Tomorrow, in a Year, propose « une vision du monde, à travers les yeux de Charles Darwin ». Sur scène, trois artistes donnent vie à cette vision: un acteur/chanteur, un chanteur popuplaire et une mezzo-soprano. Six danseurs accompagnent le récit.

« Personnellement, je n’ai aucune formation musicale, seulement une formation artistique générale de quelques années dans une école d’art, m’expliquait-elle. Composer un opéra fut difficile, notamment parce que le chant était assuré par une professionnelle, une mezzo soprano [Kristina Wahlin]. Or, elle ne savait pas improvisr – elle ne sait que chanter des partitions, alors que nous ne savons pas écrire la musique. Heureusement, il y a des plug-ins [à nos logiciels de création musicale] qui écrivent les partitions. Quand même, ce fut un vrai challenge que de bien communiquer entre nous. »

Sur la scène du Métropolis jeudi soir prochain, Karin/Fever Ray traversera son premier album solo éponyme, sans revisiter le répertoire de The Knife. « On fait deux reprises, par contre: Stranger Than Kindness de Nick Cave & The Bad Seeds et Here Before de Vashti Bunyan », l’égérie de Devendra Banhardt. À ses côtés, « cinq ou six musiciens ». Et des masques.

Détails sur le site de Pop Montréal.

Le choix me ravit; The Chemistry of Common Life est un fort bon disque, le groupe n’a pas volé ses 20 000$. Bien sûr, il aurait été chouette que Malajube l’emporte pour Labyrinthes (le premier album en français dans une short list de la courte histoire du Polaris, faut-il noter), il aurait aussi été un peu gonflé que Patrick Watson l’emporte pour la deuxième fois en autant de nominations.

Aussi, je sens que Hey Rosetta était donné favori dans cette course; encore là, un album agréable, mais je sens que ce gagnant aurait conforté un son « canadian indie » (Watson, BSS, Arcade Fire, Metric, etc). Fucked Up, avec son hardcore champ gauche aux mélodies frappantes et aux guitares brillamment nuancées, vient donner un coup de pied dans le propret et le douillet de l’indie d’ici, c’est franchement réjouissant. Enfin, Fucked Up a révélé en entrevue, juste après avoir mis le grappin sur le gros chèque, que ces 20 000$ serviront à enregistrer un album de Noël au bénéfice de la recherche des femmes autochtones disparues. Comme ils disent dans l’ouest: kudos.

Pour écouter quelques chansons de The Chemistry of Common Life, dirigez-vous vers cette page MySpace non-officielle.

Et alors? Après mûre réflexion, je crois maintenant plutôt qu’il est logique que l’oeuvre des Beatles ne soit pas commercialisée sur une boutique de musique en ligne. Oh!, elle le sera sûrement un jour – Yoko Ono a, en quelque sorte, officialisé la chose dans cette entrevue censurée sur la chaîne Sky One -, mais tout ça n’a plus d’importance. S’ils le font, ce sera par commodité, tout bêtement.

Voyons-y. Admettons que vous n’ayez aucun disque des Beatles et que, juste là, à l’instant, il vous prend l’envie d’écouter, disons, I am the Walrus (mais si). Je ne vous donne pas 20 secondes que vous êtes en train de l’écouter. Avec juste un peu d’imagination, vous saurez bien l’écouter, en streaming, sur plusieurs autres plates-formes. Et avec à peine moins de scrupules, vous êtes en train de la télécharger dans la résolution sonore qui vous plait, non sans, bien sûr, avoir pris soin de vous assurer qu’il s’agissait bien de la nouvelle version remasterisée de ladite chanson, bande de pirates.

C’est la quadrature du cercle de l’industrie du disque: pourquoi payer pour ce qu’on peut obtenir gratuitement? Si les Beatles étaient sérieusement intéressés à commercialiser leur catalogue en fichier musical numérique, ils auraient mis les remastered en vente sur iTunes (ou n’importe quelle autre plate-forme) au moins une semaine AVANT la sortie du coffret.

Dès vendredi dernier, soit cinq jours avant la sortie des coffrets mono et stéréo des Beatles, ceux-ci coulaient sur un pisteur torrent privé, puis rapidement sur tous les autres. On peut aussi présumer que si un « insider » n’avait pas numérisé les coffrets avant le 09-09-09, le tout premier heureux propriétaire de ces jolis et coûteux coffrets aurait lui-même passé quelques heures à ripper et téléverser ces chansons. On peut aussi croire que les mélomanes justes et bons attendront qu’iTunes ou Amazon vende enfin ces fichiers pour nourrir leur balladeur numérique (d’ailleurs, peut-être que ces albums n’étaient simplement pas encore prêts dans le nouveau format iTunes LP?).

Or, il y a plus. Il y a que ces chansons nous appartiennent déjà, collectivement. Nous connaissons tous, parfois même apprécions, l’oeuvre des Beatles. Elle est partout, on sait tous chanter au moins un de ces fameux refrains. Par extension technologique, ces chansons nous semblent nous appartenir encore davantage, puisqu’elles ne nous sont qu’à portée de clic de souris. Que reste-t-il à vendre, alors?

Certainement pas des CD, l’entité qui représente l’oeuvre des Beatles en est bien consciente. Reste à vendre un jeu vidéo qui semble assez fameux merci, The Beatles: Rock Band. Deux grosses boîtes à au moins 200$/pièces, avec de beaux livrets bien rédigés et des photos inédites. Ou encore des billets pour un spectacle du Cirque du Soleil. Et tout ce qu’ils trouveront encore à fabriquer autour du mythe des Beatles. C’est ça qu’on vend: l’occasion de participer au mythe, un mythe qui, contrairement à celui d’Elvis, est encore perçu comme « cool » et fréquentable (pardon aux fans d’Elvis). Les coffrets remasterisés, les places pour Love à Las Vegas, la belle lutherie en plastique du jeu vidéo, c’est comme acheter une brique commémorative pour la place du Centenaire du Canadien, à côté du Centre Bell. Ou avoir son nom de donateur gravé sur l’accoudoir d’un siège au Monument-National. Faire partie de l’histoire, ça coûte cher, plus cher que 12,99$.

Avant, il suffisait d’acheter le long-jeu pour s’acheter un peu de l’histoire d’un groupe, pour faire partie de ce succès. Aujourd’hui, le disque n’est plus considéré qu’un support technologique comme un autre, il ne véhicule plus cette part de mythe – je conviens que le chose soit discutable, et la présumée réémergence du format vinyle saurait malmener ma thèse – , mais au bout du compte, les mélomanes aujourd’hui considèrent davantage acheter une application « brandée » à son groupe préféré, voire une sonnerie de téléphone,  pour son iPhone qu’une chanson ou un disque.

Pour dire franchement, les gestionnaires de l’oeuvre des Beatles ont fait deux beaux coups de gestion de patrimoine en ce 9 du 9 du 9. Le premier en lançant ce jeu vidéo, le second en signifiant, par son absence obstinée de l’iTunes Store, que l’histoire d’un groupe ne se réduit plus qu’à une dizaine de disques.